1. Анна Іванова про свій шлях до акварелі:
2. Про папері
3. Про фарбах

Художник-аквареліст Анна Іванова запрошує вас в «Чарівне закулісся»! Прекрасні балерини, одухотворені портрети, граціозні коні - Анна вміє знаходити «свої» сюжети і завжди готова удосконалювати свою майстерність.

19 травня передвижників і Арт-Канікули провели в Москві в «Центральному Дитячому Магазині» на Луб'янці творчу зустріч з Анною Іванової - відомої молодою художницею-акварелісткой. Ми із задоволенням представляємо вам розповідь про цей захід, на якому слухачі мали можливість дізнатися про тонкощі роботи аквареллю. Так само обов'язково дивіться відео з творчої зустрічі.

Анна Іванова про свій шлях до акварелі:

- Мій шлях до живопису почався з самого дитинства, скільки себе пам'ятаю, я завжди малювала, але малювала більше коней.

У моєму дитинстві було присутнє все, в тому числі і художня школа. Ми дуже любили малювати, велике спасибі за це нашим викладачам!

«Морозний ранок на Карла Маркса, Казань»

Одним з моїх колишніх викладачів був колишній директор Казанського художнього училища, який ставився до нас, не як до дітей, а як до своїх студентів. Це дуже важливо - знайти хороших викладачів. А потім я вже малювала, власне, для себе.

«Натюрморт з гранатами»

І так як моя сім'я - це сім'я лікарів, то я здобула медичну освіту. Я лікар-епідеміолог за основним освітою і за незакінченою аспірантурі. І ще був в моєму житті ІМБП (інститут медико-біологічних проблем) з космічної медицини. Але, врешті-решт, я вирішила, що не варто це моїх нервів, і тільки в останні два роки стала художником в повному розумінні цього слова. Але в процесі мого освіти, мого шляху, я ніколи не переставала малювати.

«Морозка»

Моя навчання і основна робота ніколи не заважали малювання. У мене завжди була ніч, як і у більшості медиків. Я дуже довгий час сама розвивалася, як могла, адже часу не було, тому що навчання було з восьмої ранку і до безкінечності. А в акварель я повернулася, коли потрібно було мамі дарувати подарунок на день народження.

«Портрет мами»

Я згадала, що є акварель. І мама мене підтримала, стала купувати мені різні книжки, невеликі посібники, особливо мені сподобався Джо Дауд - англійський художник-викладач. У нього є чудові видання, наприклад, «Малюємо воду аквареллю». І я поступово стала читати, цікавитися. А потім я потрапила на сайт Костянтина Куїна. У нього маса інформації по папері, по фарбах, є його власні статті та дуже докладні статті по фарбах Е. Базанова. Це для мене було великим відкриттям. У художній школі ми малювали на ватмане.Краскі «Невська палітра» в паперовій коробці у бідних і в пластиковій у багатих - це було все.

А тут у Костянтина я несподівано відкрила, що видів паперу існує величезна безліч, не тільки ватман, а фарб - більше ніж «Невська палітра». Тоді у мене була можливість багато подорожувати, і все, що я везла з-за кордону - це був папір.

Перша папір, з якої я зіткнулася, була Saunders Waterford 600 гр. І перша ж робота, з якою я довго воювала на цьому папері, була «Портрет брата», який переміг у 2012 році на найбільшому конкурсі акварелі Shanghai Zhujuajuao International Watercolor Biennial 2012.

«Stars are closer (портрет брата)»

Я його послала просто так і думала, що вони пожартували, коли побачила своє прізвище в списку переможців! Поруч там був Збуквіч (Joseph Branko Zbukvic), був ще хтось, і він приз не отримав. Тому я спершу не повірила і не відповідала на листи. До цього я малювала, як би до себе «в стіл», а тут країна - родоначальник акварельного техніки звернула на мене увагу і мені захотілося якось розвиватися. Я стала шукати викладача, майстер-класи, але на той момент в Москві ще не була так розвинена ця система майстер-класів та лекторіїв.

Перший, до кого я потрапила, був Сергій Тенніков. Було дуже цікаво! Моя техніка на той момент була суха-суха і багатошарова, а у нього була волога. Я відвідала майстер-клас, і зрозуміла, що не все так просто. «За легкістю виконання не видно майстерності», - власне, у Сергія прекрасно це демонструється. Загалом, у мене нічого не вийшло на його майстер-класі, але я все одно не зупинялася. Мені, наприклад, хотілося навчитися робити красиві заливки, і я пішла до Олени Базанова. Мене слабо цікавили натюрморти, але дуже цікавив фон. І я плавно з сухою техніки переключалася на мокру, це було зовсім не швидко. Мене цікавили певні області, і я шукала художників - фахівців, які саме це вміли робити добре.

Перемога в Шанхаї для мене зробила дуже багато: вона просто відкрила двері, мене стали запрошувати на різні заходи, з'явилася можливість багато їздити, дивитися багато картин. Зазвичай все виставки супроводжувалися демонстраціями, і для мене це було, я вважаю, найбільшою школою.

А робота, яка перемогла в Китаї, там і залишилася?

- Так, роботи-переможці завжди залишаються на виставках, ця тепер в приватній колекції музею. Взагалі нагорода переможцю - це або поїздка, або гроші, або матеріали. Але роботи не повертаються, залишаються тільки фотографії.

Як ви продали свою першу роботу?

- У дитинстві, коли моя мама працювала в училищі, серед викладачів був прошарок інтелігенції, це були дуже літні люди, які звикли ходити по театрах, по виставках. Їм подобалися мої роботи, може, вони і нас з мамою підтримували. Коли я вчилася на другому курсі університету, у нас на центральній вулиці в Казані відкрився великий готель. Вони запрошували художників. Я туди прийшла від цікавості, і вони купили у мене всі мої картинки по 250 рублів. Далі вони стали розвивати галерею, і я дуже багато для них малювала.

Коли мені довелося піти з роботи, на продажу я не розраховувала взагалі. Спочатку, вибираючи цю дорогу, комерційних цілей я собі в принципі не ставила, так вийшло. Мене часто запитують «як вибрати комерційно успішну тему?» Я вважаю, що якщо її спочатку вибирати комерційно успішною, то навряд чи вона буде продаватися. Якщо ви її не любите, то ніхто не полюбить. Якщо це не любити, навіщо тоді малювати?

Щоб брати участь у виставках, потрібно показувати свій рівень, зростання, це величезна робота над собою. Малювання стало заважати моїй основній роботі, я не рухалася ні тут, ні там. Прийшов момент, коли потрібно було щось вирішувати. Настав криза, скоротили зарплати, робочі місця, життя сама так повернулась. Так би я не пішла ніколи, я свою роботу дуже любила.

Про папері

Я дуже довгий час використовувала тільки Сандерс (Saunders), незважаючи на те що у мене було багато інших брендів. Всі можливі види я випробувала. І ось, чим більше я малюю, тим більше розумію, що немає поганої паперу і немає хорошого паперу. Є папір під певні цілі. У свій час я говорила, що не люблю малювати на сатині і не люблю малювати на торшон. Це папір під цілком певні цілі, сатин - це той папір, на якій прекрасно виходять ілюстрації. Коли у мене техніка була суха, мені була вигідна мінімальна фактура, яка давала можливість робити безліч шарів. До холодного пресу я прийшла, напевно, в самому кінці. І торшон був самий непереможний, з максимально фактурним папером. Він тяжіє більше до мокрого, до ескізів, фактурами, великих обсягів.

І ще один момент, який я з'ясувала для себе, - це якість паперу. Волога техніка вимагає дуже терплячу папір, максимально терплячу. Не кожна папір витримає мільйон шарів або чверть доби замочування. У мене є робота, яку я малювала для розваги, дуже хотілося взяти участь в Мексиканській конкурсі. Метровий лист з балеринами, який лежав, чи не просихаючи, чверть доби. Це був Saunders, він дуже добре висох, дуже рівно. А ось наступний був Арш (Arches) , Він так не сохне, виглядає фактура прекрасно, але коли висихає, як її згортати я не знаю.

Про фарбах

З плином часу я досліджувала багато матеріалів: папір, фарби, змінювала одну техніку на іншу. І в результаті у мене утворилася певна палітра: основна гамма в 7 кольорів плюс додаткові кольори (наприклад, лимон НЕ намалюєш без лимонної жовтої, або апельсин - без оранжевого). Але основна гамма - це 7 кольорів, серед яких Сієна натуральна, Сієна палена, умбра палена, рожевий (дуже дивний, але в сумішах приголомшливо красивий). Ще є пікаблю, зеленувато-блакитний, ультрамарин темний, сепія темна. Білилами я не користуюся, чорного кольору у мене немає, все в сумішах, а найсвітліший ділянку - це колір паперу. Я вважаю, що це найсвітліше, найкрасивіше. Хоча я абсолютно не проти білил або маскують рідин. Якщо роботу можна врятувати, її потрібно рятувати будь-яким способом. І ось тепер, в якості експерименту, з'явилися золоті, металлики, а ще графіт, акварель типу Сангін.

І знову ж таки, перевагу по фарбах склалося з цілей - для чого вони мені потрібні. Якщо я пишу портрет, мені потрібно, щоб і колір шкіри, і тон, все було рівне. щоб не випадав осад. Найчастіше випадає в осад груба фарба. Коли я тільки починала писати по мокрому, то не могла це проконтролювати. Потім я з'ясувала, що фарба, яка не дає грануляції, це німецький бренд Шминке (Schmincke) . Це, напевно, перші іноземні фарби, які у мене з'явилися. Саме тому, що вони тонкі, чисті, монопігментние. Чим дорожче фарба, тим вона чистіша, в ній менше компонентів. Коли ви змішуєте два кольори (хоча кажуть, що більше двох кольорів не змішують), немає ніякої гарантії, що ви там не змішуєте відразу шість. Я дуже довго користувалася Шминке, дуже вони мені подобалися, особливо для багатошарових технік, для ілюстрацій. Вони для цього просто прекрасні, тому що це фарби дуже тонкого помелу. Вони зберігають прозорість, видно всі верстви, видно папір, в кінці кінців.

З цієї причини я відмовилася від «Невській палітри», коли зіткнулася з проблемою, що при накладенні багатьох шарів фарби у мене не тон набирався, а пропадав колір. І далі не йшов, був просто рівний сірий. Шминке вирішив цю проблему. А потім стали з'являтися нові бренди. Я дуже люблю корейські, ShinHan . І одна з моїх найулюбленіших - Міджелло (Мijello) , Особливо для фону. Вони найчастіше дають грануляцію, коли ви покриваєте папір хорошим шаром води, це дуже красиво виглядає.

А для шкіри у мене в основному Шминке - ультрамарин з сепією, а там, де тепліше, коричневий, - це умбра палена.